top of page

Tripping in Junk-Space by Ferdinand Ahm Krag


The work is a shower of particles, an unending cascade of forms and conditions constantly changing: floating, crystallizing, melting, stiffening, freezing. The starting point seems to be this room of chaotic processes, where in something at a certain time starts to condense. On-going accumulations. We see before us a colossal cloud of uneven material which pulls together only to implode under the influence of its own gravity. This collapse results in a solid body: a sculpture. A hard block of condensed perceptions, a little chemical planet being whirled around, growing and taking on shape impact after impact, crash after crash. The sculptures can come out scarred as an asteroid or smooth and polished like a piece of hand soap after it has just been used, And that’s how they stand, lies or hangs in the odd white vacuum of the art-space, like planetarian assemblage. Frozen evidence about a storm of transformative processes, which have washed over us and covered the planet, and which collectively have changed the living conditions.


What are we really talking about here? What is it that implodes in these sculptures?


We could call it capitalism, but the term is too weak, too morally loaded and too broad. Market democracy? Experience economy? The funny term pop-baroque has been used describing the art by René Schmidt, which stylistically is precise. In the sculptures and in the videos we observe these highly complex folds that truly points to the aesthetics of the baroque.  The tremendously rich and almost excessive cultivation of the morphological potential of the material is with Schmidt always twisted.


Those of the sculptures that have an up-down orientation, typically constructs from the lower to the upper in a series of diagonal twists and bends or morphological mutations. The sculptures do not as such (or only as an exception) point to any vertical order. The slanting position of the sculptures, the additive and asymmetric geometrical growth points in a direction of another principle for the morphogenesis: the infinite potential in variation that do not adhere to a horizontal or vertical order. Instead, this is a flourishing growth in every direction. And at this point we should think less in the terms of botany and more in the terms of economy - Economical growth.


To understand the certain model for spatial expansion pursued in the art of René Schmidt, we have to dig in to the esthetics of mercantile packing, shop designs and lay outs. Not to - by the will of the artist - to shape these issues into icons, as performed by the classic pop-art. We have to move further and dig deeper, we must venture into the infrastructure and the distributions models for the economy that constitutes and forms our society to capture the practice behind the expansive, spatial and forceful strategies of market economy.


An example written by the artist himself sheds some light on the thematic:


“In the discount-product the predominant principle for modeling and producing is the transport: things have to be able to be stacked, to take up as little space as possible; it is essential to utilize the euro-pallet to the fullest. One example would be the plastic garden chair, which with the strangely V shaped legs is being power-casted in one go. A product that can be fully automated, that is an object. The numbers of these objects are escalating on a global scale.  A constant re-articulation and re-modeling. Toothpaste with holographics, shampoo bottles in the same design as cell phones and sneakers. The water boiler from Tefal looks like a crossover between an UFO and an Imac. The connection to practice and usability is afloat. The scales are sliding…”


So, on one side we have an immensely effective and pragmatic mind frame, which completely understands to utilize the euro-pallet to the fullest. But this way of thinking is only effective and pragmatic internally. Because on the other side, externally, and on the side of the consumer, it is all about the direct opposite. The consumer is constantly presented to new categories of objects, which neither can nor should be in a continual and practical relation to earlier or future objects-groups. Only by doing so the consumption accelerates radically in a creative lavish culture.


It doesn’t only take different smart, creative, original, conceptual groundbreaking or permanently surprising design solutions to maintain this culture. The consumption situation itself has also been subject of an entertaining and stimulating. A total design.


It is this total design that implodes in the art and works of René Schmidt. The sculptures are as formal in their variation as they are thematically consistent. The work folded like a Moebious-band , where real and virtual architectures conflate in an impatient knot of inhospitality.

Space is an alien fluid, that has permeated -  osmosized - everything.




When you in the art-world are speaking of capitalism as structure, you can establish that artists also are talented actors, who know their lines. They are adept at taunting moralization on the vulgar and corrupt features of the consumer society. With emphatic indignant and worried faces, they can at any time play the part as the bad conscience of capitalism (while typically the modern artist is enjoy a string of privileges that has been made possible by just that same capitalistic society).


There can be numerous well intentioned reasons for this charade, but none are artistic. When you moralize you position yourself above your subject, looking down at it. This can, one might think, be perceived as either academically or snobbish, which leads to the fact that some artists do the opposite: They position themselves below or under their subject, and moralize from down and up. It seems predictable and pathetic. The art project of René Schmidt is one among far too few projects that combines the sculpture to a discussion of how our society is constructed. And he does that without in any way to sell out to moralization, being illustrative, point-seeking or the lowest of all: to let a particular political tendency shine through his project.


René Schmidt does it differently. He puts his actively sensing body in the chaotic center of the events. And he works from there and out. Not in one direction, but in five-six-seven directions at once. It might be just that that makes his expression so severe and the complexity of it so excessive. And it might be that which adds this abnormal and bend expression to some of the figures. As in the animation video “UniGamble”, where the human figure oddly bulges and mutates in any possible direction. We see elastic bodies being shoved joyfully onwards in a waddling choreography, adapted to the muzak of the shopping mall. More motoric formations of material than they are human bodies. They are driven forwards by a fluctuating desire, sticking out from every orifice in a schizoid manner; a desire that makes them dance, transform and multiply. These strange human figures found in the work of René Schmidt, bear a close resemblance to the sculptures of futurist Umberto Boccionis. But where Boccionis` figures moves with a determined elegance toward progress, Schmidt´s figures moves in closed circles and labyrinthine circuits, that have no immediate direction.


I imagine that in Schmidt´s sculptures, the starting point is nourished by a foaming inner overpressure. What comes into the system has to get out. Postponed. To be shot out. The work itself as an outcast and an inside-out depicturing of an inner space colonized by junk. Junk as in junk-food and junk-TV.  And junk as in junkie. The creative subject no longer is familiar with itself; it is far out! Spaced out! Out of Space! Tripping in Junk-Space. This is the postmodern version of the expressive gesture: The subject has become the externalized satellite of itself, which strives to come back “home again”, while the content (the inner space of the subject), first have to be emptied off intruding elements through a symbolic cleansing. The expressive gesture is such an inside-out cleansing process. It is present in Schmidt´s art, but always accompanied by a experimental and analytic take which primarily approaches the expressive in a spatial terms: as a kind of architecture for subjectivity. A principle for modeling.


Enough said about the art of Schmidt. You shouldn´t read about it, but see it. That is where it thoroughly can ignite and enflame, reject or attract the observer.  The art of René Schmidt is a cluster bomb you have to allow yourself to be hit by. Conclusively I´ll let the words of architect Reem Koolhaas – who more comprehensive than I – describe the phenomenon – this principle of spatial growth – which Schmidt works parallel to.


The following is how Koolhaas characterizes the concept junk-space:


“If space-junk is the human debris that litters the universe, junk-space is the residue on the planet. (..) is subsystems only, without superstructure, orphaned particles in search of framework or patterns. All materialization is provisional: cutting, bending, tearing, coating: construction has acquired a new softness, like tailoring…(..)..At the sound of midnight it all may revert to Taiwanese Gothic, in three years segue into Nigerian Sixties, Norwegian Chalet or default Christian. (..)..Junkspace thrives on design, but design dies in Junkspace. There is no form, but proliferation… Regurgitation is the new creativity; instead of creation, we honor, cherish and embrace manipulation… Superstrings of graphics, transplanted emblems of franchise and sparkling infrastructures of light, LED´s, and a video describe an authorless world beyond anyone`s claim, always unique, utterly unpredictable, yet intensely familiar.”




Værket er en byge af partikler, en uafbrudt kaskade af hele tiden skiftende tilstandsformer: flydende, krystalliserende, smeltende, størknende, frysende. Udgangspunktet synes at være dette rum af rene kaotiske processer, hvori noget på et tidspunkt begynder at fortætte sig. Ansamlinger finder sted. Vi ser for os en kolossal sky af uensartet materiale, der trækker sig sammen, for til sidst helt at kollapse under sin egen tyngdepåvirkning. Dette kollaps resulterer i et fast legeme: en skulptur. En hård blok af sammentrængte sansninger, en lille kemisk klode, der slynges omkring og som vokser og tager form efter nedslap på nedslag, sammenstød på sammenstød. Skulpturerne kan fremstå arrede som en asteroide eller glatpolerede som en håndsæbe efter den har været i brug. Og sådan står, ligger eller hænger de i kunstrummets sære hvide vakuum; som planetariske assemblager. Frosne vidnesbyrd om en storm af transformative processer, der er skyllet ind over os og henover planeten, og som samlet set har ændret livsvilkårene. Hvad er der i grunden tale om? Hvad er det, der imploderer i disse skulpturer?


Vi kunne kalde det kapitalisme, men begrebet er for vagt, for moralsk ladet og for bredt. Markedsdemokrati? Oplevelsesøkonomi? Det spøjse begreb pop-barok er blevet brugt om Rene Schmidts kunst, hvad stilistisk set er rammende. I  skulpturerne og videoværkerne finder vi disse yderst komplekse foldninger, der rigtignok kan lede tanken hen på en barok æstetik. Den absolut righoldige og nærmest excessive dyrkelse af materiens morfologiske potentiale er hos Schmidt altid skævvredet. De af skulpturerne der har en op-ned orientering, bygger sig typisk op fra det nedre til det øvre gennem en serie af diagonale vred eller morfologiske mutationer. Skulpturerne peger således ikke (eller kun yderst sjældent) på nogen form for vertikal orden. Skulpturernes skrånende stilling, den additive og asymmetriske geometriske vækst peger i retning af et andet princip for morfogenesen: det uendelige variationspotentiale, der ikke følger en horisontal eller vertikal orden. I stedet er der tale om en i alle retninger knopskydende vækst.  Og her skal vi ikke så meget tænke botanik, som vi skal tænke økonomi – vækstøkonomi.


I René Schmidts kunst forfølges en særlig model for rumlig ekspansion, som vi skal ind i reklamen, emballage-æstetikken og butiks-designet for at forstå. Ikke for med kunstneren at gøre disse emner til ikoner, som den klassiske popkunst gjorde det. Vi skal længere og dybere, vi skal ind i infrastrukturen og distributionsmodellerne for den økonomi, der skaber og udvikler vores samfund – for her at undfange praktikken bag markedskræfternes ekspansive og ”rumlige” strategier. Et eksempel  fra Schmidts egen skrivende hånd kaster lys over tematikken: ”I discountvaren bliver det altoverskyggende modelleringsprincip transporten; ting skal kunne stables, de skal fylde så lidt som muligt, det drejer sig om at udnytte europallen til sit yderste. Et eksempel på dette er plastikhavestolen med dennes besynderlige V-formede ben; de er sprøjtestøbt i ét hug – et produkt, som kan fuldautomatiseres, det er ét objekt. Objektantallet i verden stiger med voldsom kraft; hver producent sit format, ingenting passer sammen, og da slet ikke med det fra i går…Der bliver omformuleret og nymodeleret hele tiden. Tandpasta med hologrammer, shampooflasker i samme formsprog som mobiltelefoner og tennissko. Elkedlen fra Tefal ligner en mellemting mellem en ufo og en i-mac. Forankringen i praktik/brugelighed sejler, skalaen flyder”.


På den ene side ser vi altså en uhyre effektiv og pragmatisk tankegang, der forstår at udnytte euro-pallen til sit yderste. Men denne tankegang er kun effektiv og pragmatisk indadtil. For på den anden side – udadtil og på forbrugerens side – handler det om det stik modsatte. Forbrugeren får hele tiden præsenteret nye objekt-grupper, som hverken kan eller skal stå i noget kontinuert og praktisk forhold til tidligere eller fremtidige objekt-grupper. Kun derved kan forbruget accelereres radikalt i en kreativ ødselheds-kultur. At vedligeholde denne kultur kræver dog ikke bare at de forskellige ’design-løsninger’ skal være ekstremt kreative, originale, konceptuelt banebrydende og permanent overraskende. Det kræver også at selve situationen omkring forbruget er gjort til genstand for et underholdende og stimulerende design. Et total design. Et oplevelses-felt. Det er dette total-design, vi ser implodere i René Schmidts kunst.




Når man i kunstneriske kredse taler om kapitalismen som samfundsform, kan man konstatere at kunstnere også er gode skuespillere, der kan deres replikker. De er gode til forhånende at moralisere over forbrugersamfundets vulgære og korrumperende træk. Med indlevende indigneret og bekymret mine kan de til enhver tid agere kapitalismens dårlige samvittighed (alt imens den typiske moderne kunstner udlever en lang række privilegier, som netop kun er muliggjort igennem den kapitalistiske samfundsmodel ). Der kan være velmenende grunde til dette skuespil, men de er ikke kunstneriske. Når man moraliserer stiller man sig over sit emne og ser ned på det. Det kan man synes er akademisk eller snobbistisk, hvad fører til, at nogen kunstnere gør det omvendte: de placerer sig under deres emne og moraliserer nedefra og op. Det virker både forudsigeligt og patetisk. Rene Schmidts kunstneriske projekt er ét blandt for få projekter, der knytter skulpturen til en diskussion af vores samfundskonstruktion. Og det gør han uden på nogen måde at forfalde til at blive moraliserende, illustrativ, pointesøgende eller lavest af alt: at lade en partifarve skinne igennem sit projekt.


René Schmidt gør noget andet. Han stiller sin aktivt sansende krop ind i begivenhedernes kaotiske centrum. Og arbejder sig ud derfra. Ikke i én retning, men i fem-seks-syv retninger på én gang. Det er måske dét, der gør hans udtryk så heftigt og kompleksiteten så excessiv. Og det er måske dét, der giver nogle af figurernes kroppe dette abnorme og forstrukkede udtryk. Som i animationsvideoen ’Unigamble’, hvor menneskefiguren buler sært og muterende ud i alle retninger. Vi ser elastiske kroppe blive skubbet muntert frem i en vraltende koreografi, der er tilpasset shopping centerets muzak. Motoriske materieformationer mere end menneskekroppe. De er drevet frem af et fluktuerende begær, der stikker skizoidt ud af alle kropsåbninger; et begær der får dem til at danse, transformere og multiplicere sig. Disse besynderlige menneskefigurer vi finder i Schmidts kunst, minder ikke så lidt om nogle af futuristen Umberto Boccionis skulpturer. Men hvor Boccionis menneskefigurer vandrer med en determineret elegance mod fremskridtet, så vandrer Schmidts figurer i lukkede cirkler og labyrintiske kredsløb, der ikke fører nogen steder hen. 


Jeg bilder mig ind at Schmidts skulpturer i udgangspunktet næres af et frådende indre overtryk. Hvad der kommer ind i systemet skal ud igen. Udskydes. Skydes ud. Værket som udskydelse og udkrængning af et indre rum, der er blevet kolonialiseret af junk.  Junk som i junk-food og junk-tv. Og junk som i junkie. Det skabende subjekt har ikke længere hjemme hos sig selv; det er far out! Spaced out! Out of Space! Tripping in Junk-space. Dette er den post-moderne udgave af den ekspressive gestus: subjektet er blevet til sin egen yderliggjorte satellit, der forsøger at komme ’hjem igen’, men ’boet’ (dets eget indre rum) må først tømmes for fremmed inventar igennem en symbolsk udrensning. Den ekspressive gestus er en sådan udkrængning og -udrensningsproces. Den findes i Schmidts kunst, men her er den altid ledsaget af et eksperimentelt og analytisk blik, der anskuer det ekspressive først og fremmest i rumlige termer: som en art arkitektur for subjektivitet. Et modellerings-princip.


Nok ord om Schmidts kunst. Man skal ikke læse om den, men se den. Det er dér, den for alvor kan antænde og opflamme, frastøde eller tiltrække sin beskuer. Rene Schmidts kunst er en klyngebombe man skal tillade sig selv at blive ramt af. Afslutningsvis vil jeg give ordet til arkitekten Reem Koolhaas, der bedre end jeg kan give en beskrivelse af det fænomen – dette princip for rumlig vækst – som Schmidt arbejder parallelt med. Koolhaas giver her følgende karakteristik af begrebet junk-space:


”Hvis space-junk – verdensrumsaffald – er det skrot der stammer fra menneskene og som i stigende grad forurener universet, så er junk-space det skrot som efterlades af mennesket på selve planeten…junk-space består kun af subsystemer uden overordnede koncepter, af herreløse partikler på jagt efter en plan eller bare et mønster. Enhver form for materialisering er foreløbig: snitte, bøje, rive, ”coate”: Byggeriets konstruktioner har fået en ny form for blødhed, lidt i stil med tøjskrædderi…Ved midnat forvandler det hele sig muligvis til taiwanesisk gotik, for så tre år senere at gå over til nigeriansk nutidig stil. Junk-space er baseret på samarbejde. Der er ikke tale om nogen samlet plan eller et definitivt design, men om en kreativ knopskydning der hastigt breder sig ud over det hele. 3-dimensionel grafik, transplanterede varemærker fra forskellige forretningskæder og en skinnende infrastruktur af lys, flydende krystal-display og video, beskriver en skaberløs verden for hvilken ingen enkelt skaber kan gøres ansvarlig; fuldstændig enestående, totalt uberegnelig og alligevel uhyre velkendt”


bottom of page